Mostafa Kodeir è un abilissimo disegnatore, appartenente a quel gruppo di artisti - in costante crescita - che manifesta un virtuosismo notevole nella realizzazione di soggetti iperrealistici con una penna a sfera, particolarmente la Bic. La tecnica, come ben sappiamo non è semplice, in quanto tutti abbiamo provato a disegnare qualcosa, magari tra un compito e l'altro. Soprattutto risultano complessi i passaggi delle sfumature. E lasciando a Mostafa tutta la sua abilità, osserviamo, nel filmato accelerato il divenire di questo disegno che sarebbe piaciuto, tra Cinquecento, Seicento e Settecento, ai pittori Spagnoletto, Pietro Bellotti e Pitocchetto
Leggi tutto Iperrealismo con penna Bic, così Mostafa Kodeir realizza un'opera di virtuosismo. Il video
La tecnica del carboncino incontrò la massima accoglienza positiva negli anni Sessanta e Settanta del secolo scorso, quando al collezionista piaceva vedere il segno identificativo di un certo autore, legato alla rapidità e alla manualità. Inoltre un quadro realizzato a carboncino consentiva - per la rapidità dell'esecuzione - di acquisire a un costo minore le opere di artisti che, nell'ambito dell'olio o dell'acrilico, avevano prezzi più elevati. Poi le opere a schizzo rapido passarono di moda e, oggi, il carboncino viene impiegato soprattutto come elemento complementare nell'ambito del disegno. Uno dei motivi del mutamento di atteggiamento nei confronti di queste opere è una crescita del piacere di percezione della grafica vettoriale, che presenta colori compatti e disegni dalle linee molto nette. Ricordiamo che un foglio disegnato con il carboncino dovrebbe essere incorniciato con il vetro. Meno friabili sono le "matite di carbone di oggi, lavorate con prodotti aggiuntivi che consentono un maggior presa della polvere sul supporto
Leggi tutto Le nuove frontiere del carboncino. Dopo la crisi, il rilancio attraverso segni più dettagliati
Tony Cragg è uno dei maggiori scultori britannici. Le sue opere si presentano spesso come il punto di incontro di super-fetazioni prese dalla natura - come la sovrapposizione infinita di funghi del legno o l'addensarsi delle nubi - e l'azione riordinatrice della mente che gestisce il processo di moltiplicazione stessa. Nato a Liverpool nel 1949 ha iniziato da giovanissimo ad esprimersi con questo medium. In questo breve documentario della Tate, l'autore illustra il processo di creazione di alcuni dei suoi lavori più recenti, presentandoci al team che lo aiuta a realizzare la sua visione unica per struttura e forma. A Wuppertal ,in Germania, nel 2008 ha aperto lo "Skulpturenpark Waldfrieden", il parco che ospita una collezione di sculture in costante crescita e in continua evoluzione, opere sue e di artisti di fama internazionale
Leggi tutto Come nascono le sculture monumentali di Tony Cragg? Viaggio nel suo laboratorio con assistenti. Video
Non facilissimo avvicinarsi ad un dipinto divisionista o pontilliste per vedere l'eterea disposizione di migliaia di punti o fiocchi colorati sulla tela, chiamati a rappresentare il costante mutamento di colore provocato dalla luce e l'azione di ogni singolo tono. Oggi si può fare molto meglio di quanto sarebbe possibile avvicinando il più possibile il volto alla tela. E vedere la tecnica del punto fremente. Osserviamo "Le cabine di Portrieux", dipinto realizzato nel 1888 da Poal Signac. L'osservazione dei punti di colore lascia capire che la stesura dell'opera avvenne in tempi successivi, utilizzando un colore e le sue sfumature e lasciando asciugare, Introducendo il secondo colore eccetera. Una curiosità. Sempre visti da vicino, i colori sembrano dati a corpo, senza essere molto allungati con diluenti. Semmai essi furono resi più brillanti con un notevole apporto di olio di lino. Essi appaiono, infatti, molto grassi
Leggi tutto Come dipingevano divisionisti e pointilliste? Segreto svelato. Entra con la super-lente. Vedi da qui
L'assoluta mancanza di riflessi della vernice Kapoor, utilizzata in esclusiva dello scultore, ha prodotto una sperimentazione non voluta che ne conferma la natura insidiosamente fantasmatica. Nell'agosto 2018, un turista sessantenne italiano è finito, al museo di Porto, in un buco nero profondo 2 metri e mezzo. L'uomo, pieno di contusioni, si è salvato, ma è stato costretto a passare qualche giorno in ospedale. Probabilmente non ha visto che quel cerchio non era un enorme pois dipinto sul pavimento stesso, ma un buco verticale, le cui pareti erano completamente coperte dalla vernice di Kapoor, in grado di assorbire tutta la luce e pertanto di non dare alcun indizio visivo. L'opera esposta era "Descent in Limbo". Chi si fosse affacciato al buco nero non ne avrebbe visto la fine, come se quel pozzo verticale fosse infinito
Come artista "non ufficiale", Irina ha utilizzato materiali accessibili per fare arte a casa.
Usando carta nera, bianca e grigia, operò per "costruire" 'Camera. 2" che divenne uno spazio per il dibattito artistico dell'affiatata comunità di artisti concettuali di Mosca. Nata nel 1955, figlia del filologo Isai Nakhov, a 14 anni venne portata dalla madre nello studio dell'artista Victor Pivovarov, che avrebbe avuto un ruolo importante nella sua vita e che sarebbe divenuto, in seguito, il suo mentore. Nel 2015, Nakhova fu la prima artista donna a rappresentare la Russia nel padiglione nazionale alla Biennale di Venezia. Attualmente vive e lavora a Mosca e nel New Jersey, utilizzando diversi mezzi espressivi come medium artistici convenzionali, arte, fotografia, suoni, sensori e materiali gonfiabili. È stata tra i vincitori del premio Kandinsky, nel 2013
Leggi tutto Irina Nakhova, contro la dittatura. La sua "stanza sbrecciata" fu un manifesto di libertà. Il video
Jospin è gotica e moderna, rococò e simbolista. L'artista è nota per aver realizzato con il cartone ritagliato splendidi, complessi, enormi quadri tridimensionali di foreste, che ricordano gli intrichi vegetali della pittura gotica - pensiamo a Sant'Eustachio di Pisanello - o , come dice l'autrice i boschi delle fiabe. A Chaumont-sur-Loire - Jospin si è allontanata, per la prima volta, dal suo materiale preferito, il cartone, appunto, per realizzare una grotta, in cemento naturale, che all'esterno cita i mostri di Bomarzo e all'interno irradia la magia delle inglesi grotte di conchiglie, le concrezioni rocaille del Settecento francese e, ancora, anche i castelli infantili di sabbia decorati con materiali di recupero della battigia. Le pareti della grotta sono state realizzate con il calco, in cemento naturale, delle ondulazioni del cartone di vario tipo. Mensole, alto rilievi, cornici ed altri elementi decorativi risultano straordinarie efflorescenze che richiamano le colonne bizantine e le lavorazioni in alabastro. Completano questo luogo mistico valve lasciate nei colori naturali o verniciate d'oro, pietre e filamenti. Sicuramente da vedere
Leggi tutto Eva Jospin, una grotta incantata realizzata nel bosco con il calco dei cartoni. Un lavoro straordinario. Il video
Il teschio, nei dipinti e nelle opere, è certamente un retaggio della poetica barocca e pre-barocca. Lo troviamo come elemento di meditazione sulla morte , accanto a diversi santi, tra i quali San Girolamo e Maddalena e, diffusamente, accanto agli eremiti. La meditazione sulla morte da parte dei Santi nasce dalla consapevolezza che essa resta un mistero vinto da Cristo, per tutti gli uomini, senza differenza di etnia. Il suo messaggio di amore universale trae ogni uomo del limbo in cui permane. Se il teschio appare accanto ad un santo, esso è elemento di meditazione e di passaggio alla vita eterna. Il teschio è utilizzato nelle nature ricorda invece, all'osservatore, che i piaceri dei sensi possono distoglierci dalla meditazione sulla fine, che ci aspetta, insuperabile, se non ci si affida alle cure di Cristo e se ci si affida solamente ai piaceri terreni, aumentando l'assetto egoistico
Leggi tutto Il diverso significato del teschio nell'arte. E come realizzarlo in pochi minuti con la creta. Il video
Lo sfumato leonardesco è frutto di una tecnica di sovrapposizione, a dipinto ultimato, di una velatura lieve ed omogenea di colore diluito nel legante con il fine di ammorbidire i lineamenti dei volti o - nel caso di paesaggi - di ridurre l'acutezza dei profili delle montagne o degli oggetti lontani per ricreare l'effetto di sfocatura provocato, alla distanza, dalla'umidità atmosferica. Lo sfumato, applicato ai volti, è assimilabile all'effetto flou, ottenuto, nel cinema o nella fotografia tradizionali, attraverso la sovrapposizione di un velatino all'obiettivo.
Leggi tutto Leonardo da Vinci – Cos'è lo sfumato leonardesco e come si ottiene
GaiaMotherTree è stato realizzato interamente a mano. Strisce di cotone sono state prima colorate, poi annodate insieme, con una tecnica identica a quella dell'uncinetto, per formare una struttura trasparente gigante. La parte superiore dell'opera, che ha la forma della chioma di un albero - ma che rinvia pure tanto a un elemento lieve quanto la testa campaniforme di una medusa Medusa e che sottende anche rinvii alle immagini medievali della Madonna, che, in alcuni dipinti, forniva amorevole protezione a uomini e donne di tutte le classi sociali, senza distinzione - copre il soffitto. Alla base dell'albero, come appunto dicevamo, c'è un ampio spazio nel quale i visitatori possono soffermarsi e riposare sui sedili disposti in cerchio. Gli elementi a forma di goccia che pendono dai rami sono pieni di spezie aromatiche e foglie secche
Leggi tutto Ernesto Neto, un gigantesco albero della vita realizzato a uncinetto nella stazione di Zurigo
