Con l'età industriale l'arte è entrata in competizione con la ricerca di forme e colori degli uffici di design industriale. Anzi. Ne ha anticipato o prospettato un'infinità di soluzioni totalmente gratuite. Questa funzione di avanguardia formale non deve essere dimenticata al cospetto di numerose opere novecentesche, nelle quali la seduzione formale e cromatica, cancella ogni rapporto tra significato e significante che stava al centro dell'arte del passato. Le ricerche funzionaliste, allora, diventano incessanti e gli artisti danno sfogo alla vena di inventori e sperimentatori, nella speranza di trovare un linguaggio unico. E di essere, per questo premiati. Callen Schaub, artista di Toronto, usa acrilici e tornio da vasaio per spandere a onde i colori; poi pendoli, scatole di accumulo. oscillazioni. E' divertente vederlo al lavoro
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Il quadro fu realizzato sur le motif - cioè di fronte al soggetto - nei pressi del manicomio di Saint Remy, nel Midi francese, dove l'artista si sarebbe tolto la vita l'anno successivo. L'opera è presa in un momento di transizione dalla luce all'oscurità e i colori preparati sono i primari: il blu e il giallo - che compongono la tessitura cromatica principale della tela. una punta di rosso e di nero. Giallo e blu, che sono i colori dominanti nel dipinto vengono lavorati dal pittore, nella stessa tela, in modo diverso. Osserviamo le piante con con chiama verde-blu, davanti al piccolo nucleo architettonico.
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Nel 1915, Schad si trasferisce in Svizzera, ed entra in contatto con i dadaisti. Conosce Arp, Ball, Picabia. Presto diviene egli stesso una figura di primo piano del movimento: dipinge, esegue xilografie ed assemblage in legno policromo, fonda con Walter Serner la rivista Sirius. Ed inventa le celebri schadografie.
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Nell'ambito della pittura di realtà, il cielo costituisce sempre un bel problema perché i neofiti sono abituati ad applicare le conseguenze di luoghi comuni. E cioè che il cielo è azzurro. Ciò non è completamente vero. La parte più alta dell'atmsofera è blu e il colore poi diviene, scendendo, sempre meno cupo, passando sì, ad un tratto dall'azzurro, fino a diventare biancastro, con un tocco di rosa e di azzurro, nella parte inferiore dell'atmosfera.In questi tutorial osserveremo come risolvere facilmente un nodo della pittura di verità. Interessante è l'uso di un pennello molto ampio per ottenere gradevoli sfumature nella scala digradante del blu.
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In modo particolare il detersivo per piatti al limone è efficacissimo per pulire i pennelli o per sciogliere le macchie dagli abiti, senza ricorrere all’acquaragia, un solvente che non risolve tutti i problemi, e che, in alcuni casi, può allargare e creare macchie e aloni più ampi sui vestiti e provocare un invecchiamento più rapido delle setole dei pennelli. L’altissimo potere sgrassante del detersivo dei piatti porta all’immediata rimozione di ogni molecola dell’olio di lino – medium della pittura ad olio - e., con essa, dei pigmenti colorati
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Un ampio pennello non dovrebbe mai mancare al pittore per la stesura dei fondali, come ben dimostra il video. Opera non facile, quella di presentare i colori dell'autunno, poichè gli eccessi cromatici posso facilmente trasformare il dipinto in una squillante immagine, piena di dissonanze non volute. Qui si segue la più tradizionale visione, quasi da cartolina, del paesaggio autunnale. Ognuno può poi mutare, second il proprio punto di vista analitico o sintetico. Bisogna poi tener conto che i toni, che sembrano troppo accesi durante la stesura, giungeranno a un equilibrio migliore con l'essiccazione del colore e il suo assestamento. Anche i dipinti hanno un sapore diverso con la maturazione
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Il video risulta particolarmente interessante perché mostra le sovrapposizioni cromatiche, buona parte delle quali date in velatura, per ottenere un sorprendente effetto realistico dell'incendio e del fuoco. L'artista qui usa l'aerografo, che può essere sostituito da bombolette spray per lavori di ampie dimensioni o per la street art. Osservare la diversa sovrapposizione cromatica può essere d'aiuto anche all'artista che dipinge ad olio che dovrà comunque attendere l'assestamento di ogni stesura per procedere, in velatura, con quella suggestiva
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Un must della pittura ottocentesca e del primo Novecento furono i paesaggi montani, che suscitassero un senso di freschezza e di mistero. Opere evidentemente destinate a un pubblico cittadino o metropolitano, costretto ai ritmi innaturali degli spazi urbani, che, in questo modo, sognava un contatto con il cuore più autentico del mondo e con le origini. Dipingere acque e cascate non è certo semplice perchè l'uso del bianco deve tener conto della pittura tonale e, pertanto, intridersi delle luci-colori circostanti.
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Piccoli, grandi segreti caratterizzano il lavoro dei ritrattisti, sin dall'epoca antica. Plinio il Vecchio sostiene che, ai tempi dei Romani e dei Greci, i pittori ponevano la persona da effigiare nei pressi del supporto sul quale avrebbero steso il dipinto. Poi, seguivano le ombre del volto e del corpo, ottenendo una silhouette perfetta. Evidentemente anche i pittori del primo Rinascimento preferivano affidarsi a questo piccolo trucco
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L'effetto realistico intenso di un prato, al cui lato s'innalza un cespo di meravigliose margherite bianche, può essere ottenuto - con colori ad olio o acrilici - attraverso un sapiente esercizio di pittura tonale.Il colore dei candidi fiori può essere perfettamente ottenuto tenendo conto del colore del cielo, di cui il bianco si intride.I fiori che si trovano nella parte inferiore, nella zona d'ombra assumono una tonalità azzurrina. L'effetto è di rilievo in quanto esiste una perfetta fusione dei colori. Rimarchevole è anche la naturalezza con laquale sono stati stesi i petali dei fiori
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